Od marca staram się wskazywać Państwu utwory pocieszające w czasie COVID.
Arnold Rosner "Requiem Op 59" Kelley Hollis - sopran, Feargal Mostyn-Williams - kontratenor, Thomas Elwin - tenor, Gareth Brynmor John - baryton, Crouch End Festival Chorus, David Temple - chórmistrz, London Philharmonic Orchestra z Nickiem Palmerem - dyrygent, Walter Simmons - producent. Jonathan Allen - inżynier. Toccata Classics TOCC 0545.
Ponieważ straciliśmy 200.000 osób, a wiele z nich przeżyło, ale boryka się z długotrwałymi problemami zdrowotnymi, Requiem Rosnera nawiązuje do wieku COVID-19. Muzyka Rosnera może brzmieć mrocznie i gniewnie, czasami z tekstami, które do tego pasują. Nie jest jasne, co skłoniło Rosnera w 1973 roku, w wieku 28 lat, do napisania o śmiertelności w tak ciemnych tonach, używając tekstów o śmierci pochodzących z całego świata. Powiedziano mi, że nie miał wtedy żadnych osobistych strat, ale śmierć pociągała jako temat wielu artystów, począwszy od XIX-wiecznych romantyków w dziedzinie sztuki, muzyki i literatury. Tylko jedna część Requiem jest przejęta z łacińskiej mszy rzymskokatolickiej: część ósma (Libra Me). Do Księgi Apokalipsy nawiązuje część pierwsza, która pierwotnie miała być operą opartą na Siódmej pieczęci, filmie Ingmara Bergmana. Rosner zrezygnował z tego projektu, ponieważ reżyser Bergman postanowił zachować wyłączne prawa do filmu.
Requiem wojenne Brittena z 1962 roku jest przykładem Requiem czerpiącego z różnych tekstów. Wiersze Wilfreda Owena, który był żołnierzem w czasie I wojny światowej, są centralnym elementem Requiem Brittena, podobnie jak teksty łacińskie. Istniały wcześniejsze Requiem z mieszanymi tekstami, ale to właśnie Britten zapoczątkował trend, który zaowocował wieloma utworami wykorzystującymi wiele tekstów.
W dwóch częściach Rosner odwołuje się do żydowskiego Kadiszu w języku aramejskim i buddyjskiego śpiewu w języku Pali, podczas gdy dwie inne części są wyłącznie orkiestrowe. Pozostałe części stanowią kolejne wyzwanie dla chóru i solistów poprzez teksty w różnych językach. Pochodzą one od pisarzy Gottfrieda Benna (po niemiecku), François Villona (po francusku), Walta Whitmana (po angielsku) i Dantego (po włosku).
Słuchając Requiem Rosnera, najlepiej skupić się na muzyce i na tym, jak kształtuje się ona w stosunku do języka tekstu. Rozpamiętywanie szokująco mrocznych tekstów z książki programowej może być odwróceniem uwagi. Rosner ma unikalny głos, a jego idiom jest widoczny w dziesięciu zazębiających się częściach. Jest to dzieło organiczne, które jako całość pięknie ilustruje muzyczny słownik kompozytora. Słuchając go bez odniesienia do tekstu, będziecie chcieli ściągnąć go z półki wiele razy i włożyć do odtwarzacza CD.
Aby zrozumieć, dlaczego muzyka Rosnera wywołuje wiele środków wyrazu, zacytuję fragment noty programowej napisanej przez Waltera Simmonsa, przyjaciela kompozytora od 1970 roku i producenta płyty:
"Język muzyczny Rosnera opierał się na instrumentach harmonicznych i rytmicznych polifonicznej muzyki renesansu i wczesnego baroku. Korzenie te można odnaleźć, w mniejszym lub większym stopniu, praktycznie w całej jego muzyce. Do nich dodał swobodną triadyczność i egzotyczne modalności, spotęgowane w niektórych utworach przez bardziej współczesne dysonanse harmoniczne, wzbogacając ten język o bogatą orkiestrację i emocjonalny dramatyzm późnego romantyzmu przełomu wieków - a jednak, mimo fuzji pozornie niepasujących do siebie elementów, większość jego muzyki jest łatwo dostępna nawet dla niewprawnych słuchaczy. Tym, co sprawia, że muzyka Rosnera zasługuje na poważną uwagę, a nie jest jedynie integracją wcześniejszych stylów, jest sposób, w jaki ją kształtuje."
Requiem dedykowane jest panu Simmonsowi, który usłyszał jak Rosner grał na fortepianie kilka wczesnych utworów. Simmons, jako muzykolog, dostrzegł talent Rosnera. Rosner uważał, że Simmonsa pociągają dzieła złożone, dlatego zdecydował się zadedykować mu utwór.
Utwór jest przeznaczony dla czterech solistów wokalnych, chóru i dużej orkiestry. Jest tu potrójna obsada instrumentów dętych drewnianych, siedmiu perkusistów i siedem trąbek, z których trzy są umieszczone na balkonie dla efektów antyfonalnych. Niektóre z muzycznych stylów Requiem pojawiają się w katalogu Rosnera dopiero znacznie później. Zdumiewa mnie, jak wiele z jego kunsztu było w pełni ukształtowane w wieku 28 lat.
Dzieło oscyluje między skalami orkiestrowej potęgi i kameralnej intymności. Poniżej schemat rozmieszczenia sił z partytury dla każdej z części. Po części pierwszej, wykorzystującej wszystkie środki, jakimi dysponuje Rosner, część druga przeznaczona jest na tenor i perkusję. Po niej następuje pełna wypowiedź orkiestry w części trzeciej. Czwarta część jest na sopran i zredukowaną orkiestrę.
Instrumentation per Movement "Rosner Requiem" Część piąta bierze swój pierwotny tekst jako buddyjski śpiew sutry o długie życie. Tekst wspierany jest przez figurę ostinatową, która nadaje mu minimalistyczny charakter. Po wprowadzeniu słuchacza w stan medytacji, muzyka przybiera szokująco ostry zwrot w kierunku makabrycznej sekcji, w której pojawiają się cytaty z Tybetańskiej Księgi Umarłych, przedstawiające podziemia, śpiewane w języku angielskim. Śpiewy powracają, by zakończyć tę część. Po ponownym przesłuchaniu wolałem ominąć tę krótką angielską sekcję i usunąłem ją za pomocą darmowego programu do edycji Audacity. Część szósta powraca do madrygału a capella, który nawiązuje do stylu Rosnera, mającego korzenie w renesansie. Część siódma wykorzystuje średniowieczne organum, centralne dla głosu muzycznego Rosnera, na małą orkiestrę i trio wokalne. Większa część orkiestry, z ograniczoną ilością perkusji, wykorzystana jest z sopranem w części ósmej. Ta część jest tak bliska XX-wiecznemu stylowi romantycznemu, jak to tylko możliwe u Rosnera.
Ogromne siły całego zespołu, z antyfonalnymi dęciakami, pojawiają się na koniec w części dziewiątej. Ostatnia część orkiestrowa jest podsumowaniem, wykonanym przy użyciu zredukowanych sił. Jeśli Rosner ma jakąś słabość, to jest nią jego skłonność do doprowadzania sił do granic możliwości. Na przykład siedmiu perkusistów wydaje wielkie dźwięki, ale nie jest to nowy świat dźwięków, którego oczekiwalibyśmy, mając do dyspozycji wszystkich wykonawców. Również dęciaki mogą się czuć nadmiernie rozciągnięte. Ten przerost formy nad treścią jest wyizolowany w częściach 1 i 9. Rosner w nadmiarze działa w części piątej, zbudowanej na śpiewie Sutry Buddyjskiej.
Gdyby ktoś wykonał Requiem w 1973 roku, mimo kosztów związanych z zebraniem niezbędnych sił i przeprowadzeniem odpowiednich prób, kariera Rosnera zostałaby zapoczątkowana. Licząca 208 stron partytura trwa 62 minuty, w zasadzie pochłonęłaby cały program z bardzo krótką pierwszą połową. Połowa publiczności zostałaby w domu, jak to zwykle bywa, gdy nowe dzieło dominuje w programie. To najgorsza sytuacja dla dyrekcji orkiestry, z ogromnymi nakładami finansowymi na wykonanie dzieła i obniżonym poziomem sprzedaży biletów. Takie dzieła wykonuje się tylko wtedy, gdy kompozytorzy są znani. Requiem zostało więc odłożone na półkę. Musiał wiedzieć, że może nigdy nie zostać usłyszane. A jednak był zmuszony je napisać. Tylko dzięki wierze w swoje możliwości mógł wierzyć, że dzieło wyjdzie z szafki i zostanie w końcu usłyszane.
Simmons, który 25 lat później produkował płyty z dawno zapomnianą muzyką amerykańską, jeśli tylko udało mu się zdobyć fundusze, za życia Rosnera dokonał nagrań V i VIII symfonii Rosnera dla wytwórni Naxos. Rosner sam sfinansował kilka płyt CD dla wytwórni Albany. Tylko jedno 20-minutowe dzieło orkiestrowe, Respons, Hosanna, and Fugue, zostało nagrane z najwyższej klasy orkiestrą, jako część trzyczęściowego przeglądu muzyki amerykańskiej przez główną wytwórnię Harmonia Mundi, poprzedzającego wydanie płyt Toccata, finansowanego przez fundację.
Dyrygentem, który prowadził ten projekt był David Amos. To on wybrał utwory, które miały zostać nagrane. Amos, który wcześniej dokonał prawykonań niektórych utworów Rosnera, teraz miał okazję nagrać jeden z nich na płytę. Nagranie to otrzymało entuzjastyczne recenzje i zwróciło uwagę świata na talent Rosnera. Niezależnie od tego, samofinansujące się nagrania Rosnera otrzymywały znakomite recenzje, z zastrzeżeniami dotyczącymi ograniczeń wykonawczych.
Po śmierci Rosnera udało się pozyskać fundusze na realizację wielkiego projektu nagraniowego, którego szóstą płytą jest Requiem, a kolejne mają się ukazać w przyszłości. Jednym z celów tego projektu było, aby nagranie było produkcją na światowym poziomie. Filharmonicy Londyńscy wykonują wyjątkową pracę w zakresie odczytywania wzrokowego nowej muzyki. Nie było żadnych prób; zamiast tego orkiestra nagrywała utwór na wielu sesjach i z ograniczonym przygotowaniem. Rezultatem jest to ostateczne wykonanie, które zachowuje swój powiew spontaniczności na żywo.
To już czwarta płyta Rosnera z London Philharmonic wydana przez Toccatę. Wątpię, by to niemal niewykonalne dzieło mogło zostać wykonane bez skazy, gdyby LPO nie nagrało wcześniej trzech godzin jego muzyki. Dyrygent Requiem, Nick Palmer, nagrał za życia Rosnera płytę z kilkoma jego utworami, ale nigdy nie miał dobrej orkiestry. W Requiem Palmer osiąga niesamowite rezultaty, biorąc pod uwagę skalę ogromnych sił orkiestry, chóru i solistów oraz ich brak prób.
V Symfonia Rosnera to dzieło podnoszące na duchu, które przemawia do każdego. Jest to punkt wyjścia do odkrywania idiomu Rosnera. Moje wrażenia z V Symfonii Rosnera znajdują się pod tym adresem URL
https://hometheaterhifi.com/features/what-we-are-listening-to/what-were-listening-to-vol-7/.
V Symfonia została napisana tuż przed Requiem. Nie jest jasne, dlaczego z tego afirmującego życie utworu przeszedł do radykalnie odmiennego Requiem jako kolejnego dzieła. Rosner często zmienia style w sąsiadujących ze sobą utworach. Być może warto posłuchać także jego późniejszych Pięciu ko-anów na orkiestrę, zanim podejdzie się do Requiem. Są one osadzone w stylu blisko spokrewnionym z większymi częściami Requiem, ale z mniejszą złożonością i warstwami fakturalnymi. Omówiłem je pod poniższym adresem URL:
https://hometheaterhifi.com/features/what-were-listening-to-vol-2/
Płyta CD (dostępna również do bezstratnego pobrania i streamingu) jest doskonała, z wyjątkiem sytuacji, gdy aktywnych jest siedem trąbek. Efekty antyfonalne są integralną częścią tych sekcji i tylko pięciokanałowe nagranie może dokładnie odtworzyć ten efekt. Kanał centralny wyjaśniłby wysiłki siedmiu perkusistów. To nagranie zostało niestety zmiksowane tylko w stereo.
Rosner stwierdził, że jeśli ktoś poświęciłby się temu 24 godziny na dobę, 365 dni w roku, przez całe życie, nie miałby wystarczającej przepustowości, aby wysłuchać wszystkiego, co zostało napisane w ciągu jednego dnia, biorąc pod uwagę liczbę aktywnych kompozytorów zawodowych.
https://www.phidler.com/rosner/arbd.html
Na świecie jest tak wielu kompozytorów, a 99,6% tej muzyki leży w szafach na akta. W przypadku Requiem Rosnera mamy do czynienia z niezwykłą historią współpracy opartej na wierze we własne możliwości i wsparciu 40-letniego przyjaciela, który wyprodukował nagranie. W wieku 28 lat Rosner stworzył jedno z największych dzieł amerykańskiego kompozytora, a 47 lat później słyszymy je po raz pierwszy. Rosner równoważy swój szeroki wachlarz stylów i tworzy dzieło wyjątkowe dla repertuaru. Requiem zachęca do wielokrotnego słuchania. Requiem Rosnera nie znudzi się nikomu.
Multiple Artists "Modern Masters III" Arnold Rosner Responses, Hosanna, And Fugue for strings and harp - Norman Dello Joio Meditations On Ecclesiastes - Alan Hovhaness Psalm And Fugue For String Orchestra The Philharmonia Orchestra with David Amos - Conductor, Tim McDonald - Producer, Mike Ross -Engineer, Recorded November 1990, Harmonia Mundi - HMU 906012 reissued Kleos Classics both discontinued. Bezstratny download na Qobuz.
"Nigdy nie słyszałem o Arnoldzie Rosnerze, a pamiętajmy, że szczególnie interesuję się współczesną muzyką amerykańską. Od pierwszych taktów Responses, Hosanna, and Fugue, byłem zauroczony nie tylko utworem, ale i kompozytorem - dla mnie, ważnym głosem" napisał ważny krytyk Steve Schwartz, kiedy usłyszał tę płytę w 1991 roku. Dopiero nowe nagranie muzyki orkiestrowej Rosnera, dokonane przez firmę Toccata, pozwoliło na ponowne zaangażowanie pierwszorzędnej orkiestry.
Na początku lat 90-tych firmy fonograficzne wydawały ogromną ilość amerykańskiej muzyki, która doczekała się pierwszego przesłuchania lub była już dawno wycofana z obiegu na LP w niezłym wykonaniu i co najwyżej dopasowanym dźwięku. Płyty CD kosztowały dwa razy więcej niż LP, ale słuchacze kupowali je tak szybko, jak się pojawiały. Wytwórnie klasyczne znów zarabiały pieniądze. Nie trwało to jednak zbyt długo, ponieważ ilość wydawnictw znacznie przekraczała ilość muzyki, którą można było wchłonąć.
Jest to część 3-płytowego zestawu mniej znanych kompozytorów amerykańskich wydanego w 1991 roku. Pomysł powstał dzięki uprzejmości dyrygenta Davida Amosa, który za pośrednictwem International Musicians Fund zaaranżował finansowanie tego projektu. Amos dyrygował Rosnerem na koncercie i uznał, że jego muzyka jest idealna dla tego projektu.
Orkiestrowana na harfę, orkiestrę smyczkową i kwartet smyczkowy, czyli w tym samym składzie co słynna na całym świecie Vaughan Williams Tallis Fantasia, wymagała odwagi, by sięgnąć po tak znane dzieło, a jednocześnie powiedzieć coś innego.
"Światło zalewa te strony z dużą mocą świecy. Linie solowe unoszą się bez wysiłku z surowego koca fakturalnego i rapsodycznie niosą argument do przodu" - pisze Rob Barnett. "Szybki taniec, żywiołowe, nowoświatowe rytmy i synkopy przeciwstawione staroświeckim trybom" - pisze o drugiej części Steve Schwartz, a o trzeciej "pozostawia wrażenie nie tyle kontrapunktycznego treningu, co głęboko odczuwanej pieśni".
Całość nagrania tworzy wspaniałą muzykę w czasach COVID. Nie miejsce tu na omawianie innych utworów, ale warto odnotować, że Dello Joio zdobył nagrodę Pulitzera. Świetną wiadomością jest to, że seria Amos Modern Masters powróciła do bezstratnego pobierania w sklepie Qobuz. W większości miejsc jest to streaming bezstratny, ale 90% cudowności Rosnera, z 20 partiami smyczkowymi aktywnymi w tym samym czasie, jest utracone. Można pobrać wszystkie utwory z serii 3 CD lub tylko pojedynczy utwór. Teraz jest czas na ściąganie, zanim znowu przestaną być dostępne.
Jim Milton
Erich Kunzel and the Cincinnati Pops "Symphonic Star Trek" Telarc, 20-bit CD Od jednej z moich ulubionych orkiestr jest muzyka z jednego z moich ulubionych gatunków filmowych. Tak, Star Wars ma Johna Williamsa, ale Trekkies mają Jerry'ego Goldsmitha, Alexandra Courage'a, Jamesa Hornera i innych. Poza kilkoma imponującymi efektami dźwiękowymi, muzyka jest znajoma w nostalgicznym sensie, a jednocześnie nowa, ponieważ nagranie przynosi ekspansywny pejzaż dźwiękowy do tematów telewizyjnych, a fanfary mają świeżą jakość, która rozbrzmiewa w całej sali orkiestrowej. Intro zostało wykonane przez samego Leonarda Nimoya i brzmi tak, jakby mogło znaleźć się w finałowym filmie z Kirkiem i całą bandą.
Efekty dźwiękowe zostały odtworzone na potrzeby tego nagrania i obejmują kilka przelotów statków gwiezdnych, sondę Obcych, kłopoty Tribble'ów, wynurzanie się ptaków drapieżnych, transporter, wstęgę energetyczną Nexusa i wizytę Borga. Ponieważ Telarc nagrał to cyfrowo, nie użyto kompresji, a na etykiecie znajduje się ostrzeżenie, aby upewnić się, że poziomy odtwarzania nie są ustawione zbyt wysoko, bo sprzęt i uszy mogą wyparować. To ponad 72 minuty dobrej zabawy, nawet jeśli nie jesteś Trekkie. Żyj długo i dostatnio, już!
George Winston "Linus and Lucy- The Music of Vince Guaraldi" - fortepian, Dancing Cat Records, CD A skoro już jesteśmy przy telewizyjnej muzyce przewodniej, to coś nieco bardziej przyziemnego z Gangiem Peanuts. Winston gra muzykę zbliżoną do wizji Guaraldiego, ale z nieco większą dozą figlarności. Brzmienie fortepianu jest nieskazitelne, a partytura jest jazzująca, sentymentalna i bardzo relaksująca w odbiorze. Cast Your Fate to the Wind" jest chyba moim ulubionym utworem, ale muzyka jako całość sprawia, że przypominam sobie oglądane w dzieciństwie programy o Święcie Dziękczynienia, Halloween i Bożym Narodzeniu. Muzyka ta jest ponadczasowa i może być doceniona przez całą rodzinę. Nagranie jest dość dynamiczne, a mikrofon brzmi jakby znajdował się blisko płyty, z zaskakująco głębokimi basami. To świetne tło muzyczne podczas przyjmowania gości. Nie bądź głąbem. Zdobądź tę płytę!
John E. Johnson Jr.
Art Pepper "Essential Standards, Original Jazz Classics" Wydana 12/31/2008 Art Pepper jest jednym z moich ulubionych muzyków grających klasyczny jazz. Był saksofonistą altowym od końca lat 40-tych do początku lat 80-tych. Odszedł w 1982 roku w wieku 56 lat, o wiele za wcześnie. Miał ogromny problem z narkotykami, jak wielu innych muzyków, co miało ogromny wpływ na jego karierę. Ten album zawiera kilka najlepszych utworów z jego licznych albumów i jest naprawdę wspaniały. Jest dostępny tylko na CD i streamingu, nie ma winyla. Ale to z pewnością lepsze niż nic. Grał również na klarnecie, czego przykładem jest ten album. Towarzyszący mu muzycy są również niesamowici.
Czajkowski "Hymny Całonocnego Czuwania, opus 52 6-9" Best Buy Classical, wydany 4/3/2012. Czajkowski jest prawdopodobnie najbardziej znany ze swoich dzieł orkiestrowych. Ten album pokazuje jego geniusz w dziedzinie muzyki chóralnej. Jest naprawdę piękna i bardzo relaksująca, w czasach, kiedy przydałoby się coś, co nas odpręża. Nagrany znakomicie, z doskonałą sceną dźwiękową. CD dostępne w Presto Classical za 15 dolców.
Chris Eberle
Sergio Azzolini/Kammerakademie Potsdam "Bassoon Concertos: Villa-Lobos, Hindemith, Jolivet, Gubaidulina, Capriccio" CD Zazwyczaj, kiedy szukam nowej muzyki klasycznej do dodania do biblioteki, szukam konkretnych utworów. Dzięki dodatkowemu czasowi przeznaczonemu na ćwiczenie gry na fagocie, kupiłem kilka referencyjnych płyt CD, które pomagają mi w nauce nowych utworów. Ostatnio jednak postanowiłem skupić się na konkretnym wykonawcy: Włoski fagocista Sergio Azzolini. Po raz pierwszy usłyszałem jego grę na nagraniu z konferencji International Double Reed Society w 1995 roku, gdzie wraz ze Stefano Canutim wykonał sześć arii z Il Barbieri di Siviglia Rossiniego zaaranżowanych na dwa fagoty. Wkrótce potem opublikował wykonanie niedawno odkrytego (przez niego) Koncertu na fagot i orkiestrę Rossiniego.
Ponieważ ostatnio priorytetem stało się dla mnie poszerzanie repertuaru, chciałem usłyszeć jego interpretację bardziej współczesnych utworów, takich jak Koncert na fagot i niskie smyczki Sofii Gubaiduliny oraz Koncert na fagot i smyczki Andre Joliveta. Ten ostatni to prawdziwy hum dinger. Jest uważany przez większość fagocistów, w tym mnie, za najtrudniejszy utwór fagotowy w literaturze. Grałem już wiele fagotowych utworów, ten jest zdecydowanie najtrudniejszy. Kiedy po raz pierwszy zapoznałem się z nim w 1985 roku przez kolegę ze studiów w New England Conservatory, mojej alma mater, określił go jako "nieustępliwy". Jest to trafne określenie.
Płyta zawiera również rzadko słyszane wykonanie Koncertu na trąbkę, fagot i smyczki Paula Hindemitha. Można by pomyśleć, że to dziwna para, ale skoro Copeland potrafił połączyć trąbkę i rożek angielski w swoim pięknym utworze Quiet City, to ma to głębszy sens.
Nie trzeba dodawać, że Azzolini błyszczy w każdym utworze na tej płycie. Jego brzmienie jest idealne dla muzyki wszystkich epok. Jego technika w Jolivet jest po prostu niesamowita. Jedynym równie dobrym wykonaniem tego utworu jest występ Sophie Dervaux (głównej fagocistki Filharmonii Wiedeńskiej) na żywo na YouTube, gdzie gra ona ten absurdalnie trudny koncert bezbłędnie i z pamięci.
Jeśli ta płyta zrobi na Was takie samo wrażenie jak na mnie, są tam również nagrania Azzoliniego grającego koncerty Vivaldiego na fagocie barokowym. Jest to fascynujące ujęcie tych utworów, które na pewno spodoba się wielu słuchaczom. Na razie jednak, myślę, że jeszcze raz włączę Joliveta, by mieć do czego dążyć.
Glenn Young
Thorbjorn Risager & The Black Tornado "Come On In" Ruf Records, 2020, 24/44 via Qobuz Odkryłem tego duńskiego bluesa/rockowca i jego zespół dzięki utworowi na kompilacji CD wydanej przez głośniki DALI. Trochę więcej grzebania w sieci oświeciło mnie co do jego dyskografii i ich 10. albumu, Come On In, który ukazał się na początku roku. Jest nieskazitelnie nagrany, ma piekielny groove, a ten człowiek i jego zespół mają mnóstwo charakteru, który jest obficie rozłożony na tym 10-utworowym zestawie. Blues jest jednym z moich ulubionych gatunków muzycznych, ale może też łatwo stać się powtarzalny, z dużą ilością podobnie brzmiącego materiału i wykonawców. Dlatego też, gdy w moje ucho wpada bardziej unikalne ujęcie 12-taktowego bluesa, przykuwa ono moją uwagę. Utwór tytułowy rozkręca się z funkowym rytmem i rezonującym, nieco tajemniczym podtekstem. Utwory "Two Lovers" i "On and On" mają w sobie coś z filmu noir, w "Over the Hill" jest trochę szaleńczego boogie, a w "Nobody But the Moon" nawet trochę tropikalnego, wyspiarskiego klimatu. Wokal Risagera waha się od głębokiego, dźwięcznego growlu do bardziej poszarpanego tenoru, w każdym razie ocieka duszą i osobowością. Ten album gościł w moim systemie wiele razy w tym miesiącu i nie widzę, by miało się to zmienić w najbliższym czasie.
Joe Bonamassa "Redemption" Provogue-Mascot Music, 2018, 24/44 Streamed via Qobuz. Nie da się zaprzeczyć umiejętnościom Joe Bonamassy w posługiwaniu się siekierą. Widziałem go na żywo i ten człowiek jest niesamowicie utalentowany jako gracz i jest świetnym showmanem na żywo. Jest on również w pewnym sensie bluesowym przemysłem samym w sobie, z 15 studyjnymi albumami, z których wiele zostało wydanych w jego własnej wytwórni, wraz z jeszcze większą liczbą albumów koncertowych, kilkoma koncertowymi wideo i albumami, na których współpracował z takimi wokalistkami jak Beth Hart. Redemption (jego 13. studyjny wysiłek) jest kolejnym bluesowym albumem, który przykuł moją uwagę swoim odmiennym od normalnego brzmieniem i zawartością. Wydaje się również, że z tym albumem Bonamassa staje się bardziej doświadczonym pisarzem i autorem tekstów w swojej dziedzinie. Zdecydowanie trochę introspekcji przewija się w wielu utworach takich jak "Self-Inflicted Wounds", "Pick Up the Pieces" i "Stronger Now in Broken Places", a w dzisiejszych czasach wielu z nas ma trochę więcej czasu na introspekcję. Szczególnie podoba mi się utwór "The Ghost of Macon Jones", gęsta, tajemnicza opowieść o duchach z gościnnym udziałem Jamey'a Johnsona. I oczywiście, gra Bonamassy jest wyjątkowa na całej płycie, ukazując szeroki wachlarz stylów. Redemption to bardzo przyjemny bluesowy koktajl, którym można się delektować zarówno w samotności, jak i w gronie przyjaciół.
Roy Buchanan "Sweet Dreams: The Anthology" PolyGram Records, 1992, CD. Znajdą się tacy, którzy z pasją będą się spierać, kto był lepszym graczem na Fenderze Telecasterze, Roy Buchanan czy Danny Gatton. Powiedzieć, że obaj panowie byli utalentowani w grze na gitarze, to jak powiedzieć, że Glenn Gould umiał "łaskotać kości słoniowe". Największe niedopowiedzenie. Obaj panowie byli szanowani wśród swoich rówieśników i obaj mieli trudne życie i ostatecznie tragiczny koniec. Nie jestem jednym z tych, którzy się spierają, lubię obu graczy. Jednak Buchanan ma dla mnie dodatkowy urok, ponieważ był tak niepasujący. Mówiący cicho, wyglądający jak dziadek, który często potrafił wydobyć z gitary nuty, w które trudno było uwierzyć. Na początku swojej kariery, kiedy był częścią zespołu Ronniego Hawkinsa, uczył bardzo młodego Robbiego Robertsona. Później Jeff Beck był pod jego wpływem i zadedykował Buchananowi utwór ze swojego albumu Blow by Blow, klasyk "Because We've Ended as Lovers". Plotki głoszą, że The Rolling Stones chcieli, aby Buchanan dołączył do nich po śmierci założyciela zespołu Briana Jonesa. Był dziwną postacią, która zbliżyła się do sławy, ale nigdy nie zrobiła ostatniego kroku.
Sweet Dreams: The Anthology jest świetnym materiałem o Royu Buchananie i obejmuje sporą część jego historii nagrań w Polygram (później przeszedł do Atlantic i w końcu do Alligator Records). Na tej kompilacji jest wszystkiego po trochu, od wczesnych utworów z Charliem Danielsem na wokalu, dobrze znanych "The Messiah Will Come Again" i "Sweet Dreams", które dały kompilacji jej nazwę, do kilku skwierczących akustycznych bluesowych numerów, coverów Hendrixa i Bookera T, a nawet wersji "Turn To Stone" Joe Walsha. Poza "Messiah" najbardziej wyróżniają się dla mnie utwory koncertowe z albumu Buchanana "Livestock" z 1975 roku. Niesamowita wersja "Down by the River" Neila Younga, "I'm a Ram" Ala Greena, a także zapalczywe wykonanie "I'm Evil", które dzięki maniakalnym solówkom gitarowym może podnieść włosy na karku. Zestaw kończy się 12-minutowym, niewydanym dotąd solowym, akustycznym utworem "Dual Soliloquy", który jest słodką, melodyjną i wysmakowaną improwizacją na ostatni kawałek taśmy podczas sesji nagraniowej. Jeśli kochasz gitarę, bluesa, dziwacznego klasycznego rocka lub wszystko powyższe, powinieneś mieć ten zestaw w swojej kolekcji i rozkoszować się niespokojnym geniuszem tego odchodzącego mistrza Telecastera.
